De Música, Arte y Otras Chinches

Paseo por la playa - 1909 - Museo Sorolla, Madrid

Al tratarse de una pintura de gran formato, de 205 cm × 200 cm (81 pulg. × 79 pulg.), es prácticamente imposible que esta obra maestra de Joaquín Sorolla haya sido pintada de forma espontánea o en una sola sesión.

Aunque el artista regresó con frecuencia a la costa de Valencia (su ciudad natal) a lo largo de su vida, y a menudo pintaba al aire libre sobre la arena, para esta obra seguramente primero realizó un boceto de la composición básica antes de completarla en su estudio.

Sin embargo, hay algo verdaderamente extraordinario en la forma en que Sorolla captura tal sensación de movimiento y fugacidad.

Sus colores proyectan sombras siempre cambiantes. Sus figuras caminan al compás de una suave brisa. Las olas rompen suavemente tras ellas. Y, a todas luces, parece que el artista pintó este momento con su esposa y su hijo mayor como una decisión totalmente espontánea… Lograr con un pincel lo que muchos de nosotros podemos crear ahora con una foto o un vídeo.

Y, por cierto, esta no es la única vez que Sorolla pinta a su familia durante una excursión a la costa.

Casi al mismo tiempo que la obra anterior —que muestra a su esposa Clotilde a la izquierda y a su hija mayor, María, a la derecha—, también pintó otra magnífica obra con un retrato de su hija menor, Elena. (¡Esto refuerza la sensación de que, en esencia, está pintando su propio álbum de fotos familiar!).

Y un año después, pintaría a las tres mujeres con un estilo mucho más suelto e impresionista, sentadas juntas en un jardín. (Véase abajo).

Elena en la Playa - 1909 - Colección Privada

“Mi esposa y mis hijas en el jardín” - 1910 - Colección privada

Pero de entre todas sus obras, parece que su «Paseo por la playa» fue especialmente significativa para Sorolla.

Por ello, a pesar de ser un lienzo de gran formato (que claramente estaba destinado a exposiciones públicas o a la pared de una galería o museo), el artista decidió conservarlo en su colección personal durante el resto de su vida.

Y aún hoy, permanece colgado en la casa familiar de Madrid, que ahora también está abierta al público y se conoce como el Museo Sorolla.

Captando el momento - 1906 - Museo Sorolla

(Basado en el artículo de George Bothamley)

El galardón - 1901

Pero, por cierto, Edmund Leighton no era técnicamente un pintor prerrafaelita.

De hecho, ni siquiera había nacido en 1848, cuando Dante Rossetti, William Holman Hunt y John Everett Millais se reunieron para fundar la que se autodenominó «Hermandad Prerrafaelita».

Y para 1874, cuando Leighton alcanzaba la plenitud de su carrera como pintor tras haberse ganado la vida como ilustrador, los prerrafaelitas originales ya se habían separado en su mayoría.

Así pues, si bien su estilo estuvo sin duda profundamente influenciado por sus ideales, no fue en absoluto un «heredero directo» de su legado, como sí lo fueron otros artistas de su generación como Evelyn de Morgan o John William Waterhouse.

En tiempos de peligro - 1897 - Galería de Arte de Auckland, Nueva Zelanda

El final de la canción - 1902 - Colección privada

Además, cabe mencionar que los pintores prerrafaelitas originales también estaban impulsados ​​por el deseo de rebelarse contra la pompa y las tradiciones de la Real Academia de Londres (es decir, la institución artística más prestigiosa de la época).

Mientras que Leighton, de joven, se formó en la escuela de la Real Academia y dedicó la mayor parte de su carrera a exponer en sus muestras, e incluso consagró casi 21 años de su vida adulta a su máxima ambición: ser elegido miembro de pleno derecho de la Academia (algo que, sorprendentemente, nunca logró, a pesar de sus extraordinarios intentos, como la obra que se muestra a continuación).

Coser el estandarte - 1911 - Colección privada

Así pues, en muchos sentidos, el lugar de Edmund Leighton en la historia del arte sigue siendo objeto de debate.

No era del todo un prerrafaelita… ni del todo un maestro independiente… ni tampoco un miembro de la Real Academia.

Sin embargo, si lo juzgamos únicamente por su talento artístico —su capacidad narrativa, su estilo elegante, su romanticismo evocador y su maravillosa manera de capturar la emoción—, sin duda podemos afirmar que se encuentra entre los mejores pintores de su generación en Inglaterra.

La Dedicación - 1908 - Colección Privada

El rehén - 1912 - Colección privada

Dios te acompañe - 1900 - Colección privada

(Tomado del artículo de George Bothamley)

Gerard van Honthorst - El concierto - 1623 (Galería Nacional de Arte, Washington D.C.)

Aunque una pintura, por su propia naturaleza, siempre será silenciosa… aun así, en todas estas obras se percibe una sensación inconfundible: si nos detenemos el tiempo suficiente o escuchamos con atención, tal vez podamos captar un leve susurro de lo que se está interpretando.

Existen cientos de otras obras que merecerían ser incluidas en esta colección. Sin embargo, espero que disfruten de las diferentes armonías, melodías y sinfonías que se encuentran en estas pinturas.

Y en las icónicas palabras de William Shakespeare: Si la música es el alimento del amor... ¡que siga sonando!

1. Pintura mural de la habitación H de la villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale

Cortesía del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

2. Caravaggio - Los músicos o Conciertos de la juventud - 1595

(Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)

3. Johannes Vermeer - La lección de música - 1665

(Colección del Palacio de Buckingham, Londres)

4. Franz von Stuck - Orfeo encantando a los animales - 1891

Villa Stuck, Múnich

5. Gerolamo Induno - Una actuación privada - 1872

Colección privada

6. Marc Chagall - El violinista verde - 1923

Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York

7. Dante Rosetti - La Ghirlandata - 1874

Galería de arte Guildhall, Londres

8. Berthe Morisot - Piano - 1889

Colección privada

9. Edgar Degas - La orquesta en la ópera - 1870

Museo de Orsay, París

La Estrella, de Edgar Degas, pintada entre 1879 y 1881 (Instituto de Arte de Chicago).

Desde los Girasoles de Vincent van Gogh hasta los Nenúfares de Claude Monet y los gloriosos Atardeceres de J.M.W. Turner, encontramos a innumerables grandes artistas a lo largo de la historia que se han convertido en sinónimo de un tema en particular en sus pinturas.

Incluso cuando su obra es sumamente variada o prolífica (por ejemplo, en el caso de Van Gogh, con más de 800 cuadros, y en el de Monet, ¡cerca de 2000!), siempre hay momentos clave en la vida de un artista en los que se especializa en un nicho concreto y se asegura un lugar permanente en la historia del arte.

Y para Edgar Degas, ese tema eran los bailarines de ballet.

Pero, dicho sea de paso, el Ballet nunca fue el lugar ideal para Degas en lo que respecta a sus ideales artísticos originales.

De hecho, en su juventud, al comienzo de su carrera, la única ambición de Degas era seguir los pasos de figuras como Jean Ingres o Jacques Louis David y convertirse en un gran pintor de historia.

Por lo tanto, su obra temprana está firmemente arraigada en la tradición académica, y lo encontramos dedicando numerosos dibujos al estudio de obras de sus ídolos renacentistas como Miguel Ángel y Rafael.

Así pues, no fue hasta la década de 1860 —cuando el artista tenía entre veinticinco y treinta años— que Degas comenzó a considerar la posibilidad de que su destino estuviera fuera de los límites de la tradición artística.

Por ello, poco a poco empezó a centrar su atención en escenas más contemporáneas, como las carreras de caballos, los cafés o las noches en el teatro… todo lo cual lo acercaba cada vez más a un estilo artístico que pronto se conocería como «impresionismo» (¡a pesar de que Degas odiaba este término!).

Y a principios de la década de 1870, sus frecuentes visitas al teatro lo llevaron a centrar su atención exclusivamente en las bailarinas por primera vez. Aunque incluso entonces, quizás desconocía que esto se convertiría en una parte tan fundamental de su legado artístico.

Bailarinas azules (detalle) - Museo Pushkin, Moscú, Rusia

Una de las primeras pinturas de bailarinas de Degas, de 1871.

La clase de baile - 1874 - (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)

L’Etoile (La Estrella) - 1878

Dos bailarinas 1893 - 1898

En escena - 1876 (Colección Potter/Palmer)

Ensayo escénico - 1878/79 - (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)